回顧創作發展脈絡，陳立立回想著說道：「這好像是自然形成的，身為作曲家，生活中各種人、事、物都有可能成為我音樂的素材。」從小，陳立立就展現對於人文藝術領域濃厚的興趣，在沒有壓迫學習的成長環境下她接觸了音樂開發的課程，從多重學習內容種類如鋼琴、樂理、創作等過程裡自由探索外，她同時也愛畫畫、寫作，談起藝術養成的生活經驗，她的語調展現著愉悅與自信，這些涵養也一路陪伴並成就了現在的她。在升國中時期便確認志向的她想：「音樂家是我未來想成為的職業。」陳立立選擇了音樂，並將自己對色彩天生敏銳的優勢、以及對文字創作的熱愛注入音樂創作中。

「我第一個創作風格轉捩點是大學升碩班階段，當時開始認真思考自己想要什麼。」在碩班時期，她開始專注於挖掘聲音多樣性，第一首嘗試的作品為《相變》（為預置21絃箏獨奏，2008）。她先跟同學借了一架古箏來實驗，聯想到美國當代作曲家約翰．凱吉（John Cage）創造的預置鋼琴概念，心裡想著：「那古箏可否有預置概念？」她便找了很多小工具例如長尾夾、迴紋針等固定在弦上，企圖改變樂器本身的音色與音高，刺激了自我聽覺上對於聲音彩度與色澤的追求。《相變》一曲開啟了她對聲音探索的興趣，曲中的多樣聲響運用，也成為她音樂語法的一部分。

談到音樂創作之語法構成，陳立立也簡單分享她連結不同素材的方式，若以繪畫做為類比，像是從不同顏色中找出同質性，再進一步處理漸層細節。陳立立以打擊、弦樂樂器作為例子，兩類樂器發聲原理不同，若要從中尋找相似音色，可透過不同演奏法找出兩者的類似色澤，打擊以敲擊方式、弦樂則是以撥弦或敲弓方式，各自創造出較有顆粒般的聲響材質，所產生的粒狀音色則較容易相互連結，而達成異質聲響的混合使用。

從「音」的本質出發　探索材質與媒介

碩士畢業後，陳立立意識到轉換環境對於創作者非常重要，因此，她前往美國加州大學柏克萊分校攻讀博士，就讀期間她分別跟著四位教授學習；其中，跟得比較久的為上野健（Ken Ueno）教授，他常以不同觀點切入，激發學生從不同面向大膽思考。她舉例：「教授會對我說，這週不要創作，去看電影、看書，並列了一大堆清單給我。」透過電影，她觀察到運鏡鏡頭、影像敘事手法與樂句邏輯間具有相似性，也從劇情的發展建構中找尋音樂整體結構的可能性。

「近幾年來，我推翻了以前碩士時期的想法，不刻意強調音色或音高等，而是必須將『聲音』視作一個綜合整體來考量。聲音其實不只是單純的音高與音色，還包括時間、空間等其他不同的因素，這些元素都幫助我塑造聲音，而也可能進而影響音樂的構句與層次。」陳立立在美國時跟著柏克萊電子音樂中心（CNMAT）總監埃德蒙．坎皮恩（Edmund Campion）學習電子音樂，發現其構成概念與她建構音樂脈絡的方式不謀而合，她舉例：「電子音樂中音絡（Envelope）構成概念，是講究從音樂生成到消逝的過程，這種聲音處理的方式，其實與創作傳統器樂時構句或配器方式是相通的。」陳立立採取更整體、全面的態度，從音高、音色、和聲、時間、空間、聲音的生成消退，到每個樂器不同的發聲及殘響特性，都在她精準的掌握之中。

故事、氛圍、場景、畫面

陳立立的創作過程，包含各種聲線調度、樂段組織，到音響色調鋪陳，正如同導演著聽覺場景般。創作初期，她先決定核心主題，將想表達的音樂內容以文字腳本規劃，並註記不同聲音、樂段所連結聯想的場景或標題；她在下筆記譜前，也常先以圖像譜打稿，運用線條形狀示意、速記構句與配器設計，例如管弦樂曲《葉落之後》（A Leaf Falls After）（為管弦樂團，2017）便是依循這樣的過程完成。《葉落之後》是她最個人化、充滿私人情感的作品，透過用音樂書寫葉子掉落之後的旅程，實際投射內心面對博士班畢業前夕的焦慮，同時記載當時旅歐的生活體驗，如遇到文化衝擊、巴黎恐攻事件、到柏林猶太博物館等見聞。這部作品在加州大學柏克萊分校發表排練時，她對樂團學生說：「若你們演奏噪音時覺得不舒服，這就對了，因為它們正是傳達著我內心焦慮的狀態。」她解釋著，音樂創作不僅僅只述說美好的事件，更包含著陰鬱灰暗的區塊：「正如同生活中美與醜、好與壞的並存是自然且必要的，音樂也是如此：不管樂音、噪音，它們都可以構成音樂、也應該被看作是音樂。」

自我風格的建立　讀取聲音的敘事脈絡

有關作品《Fusing, Refusing, Diffusing》（為九重奏，2015。中文意思為：融合，反融合，擴散），陳立立解釋：「以場景連結來說，沒有特別預設各樂段發展狀態。我選用三個擁有相同字根『fuse』的英文字彙，表達我想探索的三種音色運用面向。」她所選擇的樂器歸分成三大類型，分別為管樂器、弦樂器，及豎琴、鋼琴、打擊。這些樂器的音質彼此具有相似性與融合的可能（對應Fusing概念），但也仍各自保有獨立的特質（對應Refusing概念），其中，作曲家也使用了微分音（Microtonality），讓三個木管樂器同時演奏相同旋律線，但音高各差八分之一音。從聽覺認知上來看，微分音的使用對於受過音樂專業訓練的人能辨識為異音，但非受過訓練的人則可能分辨不出其中差異性，這也隱喻著不同身分的人存在對事實認同之差異，呼應了台灣政治社會與國際關係，以及台灣人身分認同的提問。

陳立立的另一部作品《氤氳微光》（為奚琴、中提琴與電聲，2018），試圖將韓國傳統樂器奚琴與西方樂器中提琴結合。她分享道：「將兩種完全不同聲音的樂器放在一起演奏相當地挑戰，若完全運用實音，兩種樂器音色會差太多，所以我讓兩種樂器的演奏者嘗試多種演奏方式，運用不同的拉弓力道與演奏位置，產生較具有同質性的聲音，特別大量使用了沒有絕對音高的氣聲以及音質乾淨的高音域泛音，讓兩種樂器可以結合在一起。」考量到樂器彼此的音量平衡，奚琴另加了擴音。作曲家在作品中放入預錄好的電聲，並使用共鳴器（resonator）套用在奚琴上，當演奏者拉奏或敲奏時，經過擴音，會聽到音高較高且亮的金屬殘響聲，像微光閃爍在空氣之中。傳統樂器畢竟有著傳統聲響，她則試圖開發出不一樣的色彩，並透過電子聲響的加乘讓整體聽覺組織更顯豐富。

陳立立的音樂創作，回歸到聲音本質，平等看待樂音與噪音、音高與音色。她以嚴謹的思維與態度面對聲音素材的設計，將創作意念成功轉譯至音樂創作裡，精準獨到地掌握著流動在音樂之中的各種聽覺能量。

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國人作曲專題：陳立立
作曲家個人網站：https://chenlily.com/

本文作者｜張瑋珊
現為國立台灣交響樂團助理研究員、文字工作者。相關文字作品於表演藝術評論台、《PAR表演藝術雜誌》、《國藝會線上誌》、國立台灣交響樂團《樂覽》等處發表。國立台北藝術大學音樂學所碩士，關注實驗創作、現代音樂、聲音藝術、非典型音樂演出等展演。