林芳宜：音樂策展有許多可能，臺灣可發揮的空間還很多

新點子樂展策展人，也是作曲家、藝評者的林芳宜，以「音樂策展的困境與未來式：從國際樂壇發展看臺灣」為題帶來第三場講座。林芳宜首先說明音樂策展的概念，從而解析臺灣長期將音樂與戲劇舞蹈並置於表演藝術所導致的問題，接著介紹數個歐洲音樂節，分享當今國際樂壇多元突破的策展方式，反思臺灣的困境與可能。

一場戲劇或舞蹈的演出多為一個作品，而一場音樂會至少有五、六首曲目；將不同曲目、不同編制鋪排成一場六、七十分鐘的演出，策展的觀念已從中開展。表演藝術在這幾年才建立起策展的觀念，「音樂策展」是連表演藝術界都感到奇怪的；然而，若探究其素材與資源，音樂最有立場落實策展。

在一個主題之下策劃數場音樂會，首先音樂總監或策展人對應主題發展曲目；擬定一張漂亮曲單後，每首曲子編制不同，可能是獨奏、管弦樂、聲樂、合唱團，策展人該怎麼選擇？一場演出六十分鐘，要花多少時間換臺？主題、曲目、編制整合出來之後，該找誰來演？同一首鋼琴曲給兩個鋼琴家演有不同結果，策展人想邀請的音樂家適不適合這個曲目？而音樂家又是否願意演這首？最後，理想的曲單、理想的音樂家，結果預算爆了，策展人要為了實現理想買單嗎？還是為了控制預算更換演奏者或曲目？

如果單看呈現的方式，很多人以為一場音樂會，比一場有著複雜設計、裝置、道具的戲劇或舞蹈要簡單，成本也低很多，實則不然。歐美的市場或官方政策，都將音樂與表演藝術分開，而臺灣從官方到民間，不論是補助、文化政策或藝術節策劃，都將音樂、戲劇、舞蹈並列為表演藝術，此舉導致音樂特殊的體質不被認識，分配到的資源永遠無法呼應其需求，壓縮了音樂在市場上的發展。

歐洲音樂策展的數種創新概念

音樂策展有很多可能性與方法，一個主題帶出不同編制，或者透過特殊的執行方式去嘗試不同的編制、演出方式與聆聽狀態。談到歐洲的原創音樂相關活動，一年一度維也納現代音樂節（ Wien Modern ）極具指標性，為期一個月每天五、六場以上的節目，遍及維也納由小至大的表演空間，曲目從經典到實驗，2015年則以「 Pop.Song.Voice. 」為主題，呈現人聲在流行音樂、現代音樂和實驗音樂中的各種樣貌。

德國 Wittener Tage für neue Kammermusik 是以室內樂為主，為期三至五天的音樂節，在一個田園風情的小村子舉行。音樂節在社區學校禮堂演出音樂會形式的室內樂，而更多不正規的室內樂則在村子四處上演，比方，某場演出是在船與河兩岸進行，觀眾乘船，當演出開始，船沿河行進，船上指揮領導船上與左右兩岸的樂手們，左岸的小鼓、右岸的小號透過藍芽喇叭傳至船上的觀眾，曲長恰好是船走完一條河的時間，創造獨特的聆聽經驗。還有在水壩瀑布旁的演出，電吉他、電貝斯與水聲合奏，該音樂節非常支持這類非典型空間的表演，開創性的演出形式讓更多前衛、多元的當代音樂在此實踐，也因此，該音樂節的規模雖然不大，卻能吸引大量觀眾，包含許多非以往音樂愛好者的新觀眾。

比起戲劇、舞蹈，音樂的移動性較高，歐洲很早就發展移動式演出的音樂會。林芳宜在十年前就曾在德國巧遇過一場火車音樂會。從柏林出發到慕尼黑的過夜直達車，第一組音樂家在柏林上車演出，到下一站下車，再換一組音樂家上車，某一站停比較久，演出就在月臺上。停靠站與曲目事先公佈，聽眾可以自行買票入站上車，巧妙而成功地結合移動與演出。

英國的 Sound and Music 是類似英國作曲家協會、當代音樂協會的組織，每年透過公開徵件徵求作曲家策劃音樂會，入選的企劃能透過組織人脈，串連他國的音樂中心，讓節目有機會國際巡演。德國鋼琴家 Andreas Kern 所創發的 Piano City 是結合城市行銷的音樂活動；每個城市都有很多會彈琴的人，他們不一定是鋼琴家，所以任何人，只要會彈鋼琴，自訂曲目，自找演出場地，就可以報名成為表演者，每場一律收費五歐元；於是，活動列表羅列，某日某家庭主婦在她家客廳舉行一場觀眾五人的起居室音樂會，或是某人回到小學的音樂教室彈風琴，可容納觀眾二十名。 Andreas Kern 本身除了是鋼琴演奏家之外，也是電臺主持人，因此 Piano City 透過電視台的合作，成為非常成功的全民藝文活動，在柏林獲得成功之後， Andreas Kern 開始向其他城市推銷 Piano City ，；從柏林開始，陸續在米蘭、法蘭克福舉辦，也曾詢問過臺北，然而當時正值展演空間消防法規爭議時期，無奈作罷。 Piano City 超越了音樂會的常規，以音樂為核心，關注的是一般人對彈奏鋼琴、對表演的渴望，也兼具城市行銷的功能，觀眾藉著鋼琴所在之處走進城市各個角落。

德國的 Wittener Tage für neue Kammermusik 是為期三至五天的音樂節，除了室內演出之外，更常以非典型空間為表演場地*。

回到臺灣，林芳宜促成新點子樂展的開辦，並擔任策展人。為了實踐 2014 新點子樂展的「跨界篇」，工作團隊煞費苦心；需要蒐集到的樂器包含二、三個指定音高的大蒲瓜；為了呈現理想中水滴的音色，裝水容器的材質、容器開口大小、水滴的速度、水滴下時如何收音才不會濺到麥克風又能擴音，各種細節不斷微調修正。也曾為了實現一首德國作曲家的曲目，翻遍臺灣費盡千辛萬苦才找齊由最小到最大，共40幾個不同尺寸的阿爾卑斯牛鈴，來臺的打擊樂手吃驚地表示他們在德國因為找不齊牛鈴，所以該首作品一直無法演出，沒想到竟在臺灣實現。類似的事情太多了，音樂策展的難度就在於曲目背後往往有難以預見的問題，必得做了才知道。

新點子樂展始於2013年，足足晚了新點子舞展、劇展十年，除了音樂策展的特質尚未被社會廣泛認識，臺灣音樂策展最大的困難在於，產業相關人士與愛樂者對國際音樂產業的生態缺乏了解，對國際樂壇的脈動十分陌生。當代知名中提琴家卡許卡湘（ Kim Kashkashian ）曾來臺，她在世界的舞臺以演出當代曲目著稱，演奏不計其數的世界首演，好不容易被邀請來臺灣，卻端出古典曲目。或許是對音樂家的研究不足，或是認為耳熟能詳的曲目才能確保票房收益，犧牲音樂家自身最精彩的部分，亦阻礙臺灣聽眾拓展不同的聆聽經驗的機會；而類似的事件不斷發生。

即便有好的策展概念，想引進國外很棒的音樂家，卻也難以實現，因為概念不被理解，曲單不被認識，也因為與戲劇、舞蹈共享資源，導致難操作的節目被邊緣化。所以，即使去國際交流認識了很棒的音樂家，也難以落實彼此的互動關係，尤其國際樂壇的交易潛規則是有來有往，要推自己一首作品過去，也得演對方作曲家的作品，所以當臺灣沒有展演的平臺，沒有資源去引進，當然也難以輸出。政府經常說要輸出軟實力，然而在音樂方面，臺灣有的只剩下微實力，微弱到飛機一趟十幾個小時就沒有了。

國內音樂策展的困境，除了政策與環境長久的營養不均衡之外，演奏者自掃門前雪、創作者只對推薦自己的作品有興趣，也是很大的原因，各種問題環環相扣之後，表演場館和藝術節提到音樂類節目，大多只考慮較通俗的、較大眾品味的內容，更遑論真正理解內容後的有效宣傳，而在這樣的大環境中，策展的創意更難以舒展與成長，然而沒有透過好的策畫，連國內人才都難以推薦到國際，目前只能期待幾個新的場館落成啟用後，能從新的角度審視音樂類節目，因為，一場音樂會不只是演奏者上台下台的音樂會。